Mais uma para a série “Design – Eu amo!” : o vídeo abaixo mostra a bicicleta Taga, que vira carrinho de bebê em 20 segundos.  Roubei do perfil no Facebook da querida Paula de Oliveira Camargo, a POC,  e de lá dei uma roubadinha também no ótimo blog ((o)) eco urbanóide. A invenção é holandesa (óbvio, né?) e o site da empresa fabricante (aqui) só entrega na Europa e nos Estados Unidos. Mas vale a pena visitar a página para ao menos sonhar…

Abaixo, você vê os acessórios extras, que transformam a bicicleta em assento duplo, cesto de compras e cobrem o carrinho de seu filhote com uma espertíssima capa de chuva. Nesta última configuração, a cápsula lembra muito o Papa Móvel, sucesso na época de João Paulo II.

Sheena Wagstaff: curadora da Tate Modern agora também em NY

O Metropolitan Museum de Nova York dá um claro sinal de que a arte contemporânea é uma de suas maiores apostas em 2012. Sheena Wagstaff, curadora-geral da Tate Modern desde 2001, acaba de ser contratada para repensar o departamento de arte dos séculos 20 e 21 do museu norte-americano. Em Londres, ela foi responsável por grandes exposições realizadas pela Tate nos últimos anos: Eva Hesse, Barnett Newman, Edward Hopper e Jeff Wall, entre outros.

Esta não é a única mudança feita pelo diretor do MET, Thomas Campbell. Contrariando o organograma criado por seu antecessor,  Philippe de Montebello, que jogou a arte moderna e a arte contemporânea no mesmo departamento de pintura do século 19, Campbell atribuiu novas divisões e responsabilidades. Os acervos de impressionistas e pós-impressionistas franceses, por exemplo, não serão mais pensados pelos mesmos curadores que lidam com artistas como Jasper Johns  e Roy Liechtenstein.

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Decisão sábia, a meu ver. Especialização em excesso emburrece, mas lidar com tudo é o mesmo que lidar com nada. Um pouco de foco é sempre bom.

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(A partir do The New York Times)

Gostou? Vai se animar ainda mais quando souber que o acervo inclui Calder, expressionismo abstrato, Anish Kapoor e uma infinidade de artistas, movimentos e períodos distintos.

Vale a pena pesquisar o que interessa mais para sua pesquisa. É só clicar aqui.

Seria ótimo que as instituições brasileiras seguissem o mesmo caminho.

OPA, queridos, obrigada pela dica!

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Ah, é claro: continuamos aceitando doações de catálogos e livros brasileiros esgotados ou sem distribuição comercial para nossa Biblioteca Virtual, ok? Democratizando a informação. Vale também para folders, artigos, revistas e qualquer tipo de publicação. Clique aqui para ler ou saber como doar.

Morreu ontem o economista André Urani, ex-secretário municipal do Trabalho e apaixonado pelo Rio de Janeiro. Vítima de um câncer avassalador – que, quando descoberto, já tinha tomado o estômago, o esôfago e o intestino – Urani tinha 51 anos e deixa três filhos. Seu corpo vai ser cremado hoje, às 14h, no Cemitério do Caju.

Italiano de nascimento, virou carioca por escolha: como presidente do Instituto de Estudos do Trabalho e da Sociedade, se transformou em uma das cabeças que mais pensou o presente e uma das vozes que mais projetou o futuro desta cidade.

“O Rio deixou de ser um samba de uma nota só de petróleo. O momento é mágico, mas não podemos largar o osso. Temos que nos apropriar do futuro”, disse ele na palestra para o TEDxRio, em fevereiro deste ano, que você vê no vídeo acima.

Em sua participação no evento, Urani relata publicamente sua doença – e a transformação de sua identidade através dela -, usando brilhantemente o câncer como introdução e metáfora para falar da “doença” do Rio de Janeiro. Afirma que a cidade também perdeu sua cara nos últimos 50 anos, por conta do abandono público e da diáspora de talentos para São Paulo e cidades fora do Brasil. E procura traçar estratégias para que se saia do problema. Com açúcar e com afeto, cita canções de Paulo Vanzolini e Legião Urbana como plataforma para defender de forma inflamada a economia criativa, verdadeira vocação do Rio.

Sua paixão era capaz de envolver a qualquer um – e ainda é, porque o mundo também mudou depois que o YouTube e a internet passaram a dar sobrevida a momentos e pessoas especiais.

Grazie, André!

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Meu eventual leitor, insisto: veja cada segundo deste vídeo. Tem mais de 21 minutos, eu sei, mas é ganho de tempo. Acredite em mim. Beijos.

A mostra da Mercedes é feita de fotos e um texto produzidos em uma residência na Península, onde Luiza morou um mês para fazer  o trabalho da exposição Mapas invisíveis, da qual assinei a curadoria (leia o texto aqui). Eu e Fred Coelho, que assina o texto de Insulares e marginais (leia aqui) aproveitamos esta duplicação na agenda da artista e formamos também uma dupla. Com duas perguntas cada, fizemos uma entrevista relâmpago com Luiza, que oferecemos agora para vocês.

No MAC, a curadoria é de Guilherme Bueno (texto aqui) e Algumas séries mistura imagens de vários grupos de trabalhos.  

Ao papo, então:

A piscina do "Raposão", em Santa Teresa, residência feita este ano

DANIELA NAME: As residências no Pedregulho e sobretudo na Península, somadas a sua dissertação de mestrado, passaram a enfatizar a importância da palavra na sua obra. Como você foi se dando conta disso e como esta presença da narrativa – ainda que de uma narrativa esgarçada, sem começo, meio e fim – alterou o seu método de trabalho e de captação de imagens?

LUIZA BALDAN: Quando eu entrei no Pedregulho em 2009, já estava cursando o mestrado. Naquela época, meu orientador, Milton Machado, me questionou sobre os bastidores do ato fotográfico. Ele quis saber como se davam as cenas. Então, para bolar a narrativa, eu revisitei mentalmente os espaços vividos, criando ficções sobre as experiências, baseando-me nos fatos reais. Foi assim que comecei a misturar o factual ao biográfico nos textos, inclusive na própria dissertação, quando usei do mesmo procedimento para descrever as ambiências de todas as casas onde vivi quando criança, procurando relações entre a memória infantil e o meu trabalho em arte.

FREDERICO COELHO: Até que ponto sua imersão pessoal nos lugares de trabalho – como no Pedregulho, no Rapozão (Santa Teresa) e na Península – são fundamentais para sua obra? Ela é uma espécie de “ritual” que lhe deixa disponível para a invenção de um olhar específico em cada local?  

LUIZA BALDAN: As imersões são fundamentais e elas acontecem em diferentes escalas. Digamos que o formato “residencial”, como se dá de 2009 até agora, seja o mais radical porque preciso adaptar a minha rotina a um novo esquema de vida dentro da minha própria cidade, e tudo isso em um tempo relativamente curto e intenso. Mas se você pensar que eu trabalho basicamente com o Rio de Janeiro, minha cidade natal e residência fixa, a maioria dos demais projetos que continuam em andamento – Diário Urbano, Pinturinhas, etc. – também são imersivos, porque vivo aqui e me relaciono diretamente com a urbe. A imersão, então, me ajuda a construir um olhar mais atento sobre as pequenas sutilezas do cotidiano porque me tira da superfície do primeiro impacto visual nos lugares, para atingir situações corriqueiras que continuam me impactando dia a dia. Morar lida com a adaptação, com a intimidade, com o afeto ou a hostilidade que as relações de moradia me obrigam a enfrentar, e tudo isso modifica significativamente o meu olhar.

LUIZA BALDAN: Acho que a relação entre arquitetura, abandono e memória está na maneira de trabalhar com o tempo. No meu caso, atraio-me pela ideia de suspensão, suspense. A arquitetura no meu trabalho é a estrutura que abriga, que protege, como em Tugúrios, minha série que lida mais diretamente com ruínas. Os espaços arquitetônicos, além de servirem como cenário, trazem as referências históricas do período da construção e, quando em ruína, trazem as marcas desse tempo de uso e até de deterioração. No meu caso, por não me interessar por ruínas-monumentos, mas por ruínas-casas, ainda em atividade, trabalho com a intenção de cruzar esses tempos remotos, o histórico e o atual, fazendo com que um alimente o outro, contribuindo para a tal suspensão que comentei antes. É como perder a noção em qual tempo se está, porque não há indícios concretos de que a foto é de 2011 ou de 1948. Eu brinco sempre com isso, de diversas maneiras possíveis, não só através da arquitetura. Quando você fala de abandono, é a mesma coisa. Os espaços estão de fato abandonados ou é um mecanismo de suspensão temporal na imagem? Porque os lugares aparecem muitas vezes abandonados, ou sem a presença humana, mas os vestígios da ocupação estão lá, mostrando que há trânsito e, portanto, ação. É na abstração de um tempo preciso que eu abro a brecha para ficcionalizar e permitir que o espectador possa fazer o mesmo, reconhecendo um lugar sem nunca haver estado nele, rememorando uma história há muito vivenciada ou simplesmente criando novos questionamentos sobre o cenário da imagem.

FREDERICO COELHO: Sendo uma artista que trabalha com fotografia em uma época lotada de estímulos visuais e banalizações digitais da imagem, como você localiza a especificidade da fotografia no atual momento da arte contemporânea brasileira? E do seu trabalho em particular?

LUIZA BALDAN: Acho complicado falar de uma especificidade da fotografia. Talvez prefira falar de um mundo de possibilidades que as imagens digitais trazem – daí entra o vídeo também – que é totalmente contemporâneo e fértil para as artes. E para mim, também há um mundo riquíssimo que a fotografia analógica continua me proporcionando. As minhas fotos são bastante tradicionais e se relacionam formalmente com a história das imagens, que antecede e muito a invenção das máquinas fotográficas. Não me importa se é analógica ou digital, mas se a imagem expõe efetivamente a intenção de quem a fez. Não se trata necessariamente de haver um conceito, mas de se ter uma intenção clara e objetiva, ainda que seja para fotografar a si mesmo. E este é um problema que sempre existiu, mas que se agrava com a proliferação desvairada da produção imagética atual, porque é enorme o número de pessoas que não sabem o que querem dizer com suas imagens, mas fazem questão de mostrá-las ao mundo como sendo uma obra de arte. E talvez a questão da banalização não venha tanto da facilidade em se fazer a imagem, mas em exibi-la. 

Uma das ratoeiras de "A caça"

Termina hoje, no Centro de Artes Hélio Oiticica, uma das mais importantes exposições apresentadas no circuito carioca este ano. Se você não viu Sonia Andrade – Retrospectiva 1973-1994, recomendo que corra para o HO. Com curadoria de Marisa Flórido, a mostra apresenta um panorama da obra da artista e evidencia a força de sua obra para muito além do decantado e evidente pioneirismo nas experiências com videoarte no Brasil.

"Intervalo", de 1983

Logo na entrada do HO, Sonia é apresentada a partir daquilo que mais se conhece dela: um conjunto de vídeos realizados na Suíça, em Paris e no Rio de Janeiro. Marcados pela ironia e pelo uso do corpo como um objeto perturbador e político, em situações que avizinham seu trabalho da obra de Letícia Parente, recentemente revista em outra ótima exposição  no Oi Futuro. Rever estes trabalhos de Sonia já seria motivo suficiente para ir até a Rua Luis de Camões, mas o segundo e o terceiro andares do HO revelam aspectos surpreendentes para quem tem menos intimidade com um panorama mais completo da atuação desta artista tão potente, que vem criando a partir de meios variados: foto, vídeo, caligrafia, instalação e arte postal.

Merece atenção especial a série Hydragrammas, no segundo piso. Apresentado pela primeira vez no Museu Nacional de Belas Artes, em 1993, este conjunto de mais de 100 objetos é uma espécie de inventário subjetivo, cartografia e dicionário de procedimentos e formas artísticas. Como um baralho de tarô, apinhado de imagens arquetípicas, os Hydragrammas se apresentam como uma espécie de vestígio arqueológico, mas do tempo presente. Não é possível passar imune à sala e a cada objeto nossa visão é assombrada por imagens de Duchamp, Louise Bourgeois, Artur Bispo do Rosário, como se a coleção de Sonia pudesse conter tudo o que já foi visto, embora nada seja apresentado de maneira didática ou explícita. Enxergamos tudo de relance, como no flashback de uma vida inteira que passa na memória de alguém que sabe estar prestes a morrer afogado – imagem usada por Henri Bergson para explicar o que seria a sensação de dejà vu.

No terceiro piso, vê-se a série A caça, em que imagens sacras são misturadas a ratoeiras, e um conjunto de instalações que têm como ponto de partida a relação com a fotografia. Em um dos trabalhos, Sonia apresenta fotos que tirou ao longo de oito anos e retratam o céu em uma situação específica: quando ele é marcado pela passagem de um avião, que deixa ali um rastro, como uma nuvem, desenho que marca um corpo virtual, que não está mais lá. A ideia de um inventário de coisas do mundo é mais uma vez muito marcante, assim como no trabalho vizinho, em que ela une camafeus de louça que mostram pequenos pés, como se estivessem em lápides, a uma fileira de sapatos dourados. Ascensão. E, como num bis, a ativação de uma matéria ausente, memória do corpo.

A visita se completa com o trabalho de arte postal apresentado pela artista na Bienal Internacional de São Paulo de 1977. Em um tempo no qual a internet ainda não existia, Sonia conseguiu formar um sistema radial e propositivo com os visitantes da exposição. Eles participavam de uma série de ações, entre elas enviar por Correio, para o Pavilhão do Ibirapuera imagens de suas cidades que “atualizavam” antigos postais, descongelando ícones e estereótipos e desencadeando uma reflexão sobre o  lugar que cada um ocupa no mapa. Encontrar seu lugar no mundo é, afinal de contas, a condição primeira para que se acredite na própria existência.

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Eu poderia falar muito mais desta exposição que mexeu tanto comigo. Mas prefiro resumir tudo em uma única palavra, para que o eventual leitor do blog não perca tempo: vá.

]]> http://daniname.wordpress.com/2011/11/27/sonia-andrade-ultimo-dia/feed/ 0 danielaname Divulgação Divulgação Divulgação http://daniname.wordpress.com/2011/11/22/mario-lago-amanha/ http://daniname.wordpress.com/2011/11/22/mario-lago-amanha/#comments Tue, 22 Nov 2011 21:37:01 +0000 danielaname http://daniname.wordpress.com/?p=5024 ]]> A história do Rio de Janeiro no século XX se confunde com a biografia e com a obra multifacetada do incrível Mário Lago, cujo centenário é festejado este ano.  A Casa de Rui Barbosa abriga amanhã o seminário  Mário Lago, Um século de presença política e cultural. A programação prova, sem muita dificuldade, como a obra do ator, compositor, escritor e ativista político vai muito além de Amélia e dos inúmeros padres e jornalistas que ele interpretou na TV.

Mário foi lago vasto, imensidão.

A entrada é franca.

Na sexta-feira, o Fluminense, time de coração de Mário Lago, homenageia o artista com o show 100% Tricolor, que acontece no Salão Nobre do clube . Participação de sambistas tricolores como Cristina Buarque, Noca da Portela e Décio Carvalho, entre outros. Informações e preços aqui.

Programação no flyer abaixo.

Meryl Streep com as pérolas, o broche, o tailleur e o cabelo 80´s de Thatcher

Cineminha para o feriado: o diabo que não veste Prada. Foi divulgado o trailer de The iron lady, filme em que Meryl Streep interpreta a dama-de-ferro Margaret Thatcher. Primeira-ministra britânica de 1979 a 1990, esta senhora é uma triste memória para o mundo.

Dirigido por Phillyda Lloyd (britânica mais conhecida pela carreira no teatro e que trabalhou com Meryl em Mamma Mia!), o filme tem como foco os dias que antecederam a Guerra das Malvinas – ou Falklands, para os ingleses. Argentina e Grã-Bretanha disputaram o controle das ilhas e, ao garantir a vitória para sua nação, Thatcher assegurou também a longevidade no poder de seu partido Conservador, que obteve ampla votação no pleito de 1983. Para compor melhor seu papel, Meryl Streep visitou o Parlamento Britânico e assistiu até a uma sessão em que o atual primeiro-ministro, David Cameron, foi submetido a um interrogatório.

No Brasil, a estreia é prevista para fevereiro de 2012. Fico na torcida para outra grande interpretação da atriz – dá para ver pelo trailer que ela simula um sotaque britânico perfeito em expressões como “at all”, por exemplo -, mas torço igualmente para que o filme não glamurize uma das personagens mais nocivas para a política mundial de todos os tempos. Um terror também para as causas femininas: mulher chegar ao poder é o máximo. Mulher precisar virar homem quando finalmente está lá é complemente dispensável.

]]> http://daniname.wordpress.com/2011/11/14/meryl-e-thatcher/feed/ 0 danielaname Divulgação/Alex Bailey http://daniname.wordpress.com/2011/11/13/a-colecao-de-rauschenberg/ http://daniname.wordpress.com/2011/11/13/a-colecao-de-rauschenberg/#comments Sun, 13 Nov 2011 23:30:23 +0000 danielaname http://daniname.wordpress.com/?p=5008 ]]>

Rauschenberg clicado por Jasper Johns em seu ateliê, Nova York, 1956: coleção é também inventário de amigos

A Gagosian Gallery da Madison Avenue, em Nova York, está com a exposição The Private Collection of Robert Rauschenberg, que fica em cartaz até o dia 23 de dezembro e pode ser uma ótima pedida para quem vai passar as festas de fim de ano por lá.

Figura fundamental para a arte americana no pós-guerra, Rauschenberg tornou mais elásticas as fronteiras entre linguagens e experimentou suportes até então incomuns e considerados precários, como os grandes murais de técnica mista em que mistura pintura sobre papel e colagens variadas, inclusive de vinil adesivo. Homem de muitos amigos e grande estímulo para jovens talentos, trocava trabalhos com todos os amigos que podia e formou uma coleção em que anotações e partituras de compositores como John Cage e coreógrafos como Merce Cunningham e Trisha Brown aparecem ao lado de obras de artistas da importância de Andy Warhol, Cy Twombly, Claes Oldenburg, Willem De Kooning, Jasper Johns, Jean Tinguely, Roy Lichtenstein e John Chamberlain. Também investiu em obras que influenciaram ou ajudam a contar a história da arte recente – comprou peças de Beuys,  Duchamp, Magritte, Muybridge – e em trabalhos de artistas mais jovens que ele, na época em início de carreira, caso do compositor David Byrne e de Robert Mapplethorpe, Bruce Nauman e Ed Ruscha.

É a primeira vez que a coleção do artista é exibida publicamente, graças a uma parceria da Gagosian com a Robert Rauschenberg Foundation.

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Veja outras obras que estão na exposição:

Clique para ver o slideshow.

As palavras em neón deste trabalho de Regina Parra foram instaladas no topo do Edifício dos Andradas, na Rua Ipiranga, na capital paulista, e são um projeto paralelo à individual da artista no Centro Cultural São Paulo, inaugurada no último dia 5.

Lembrei de Jenny Holzer, lembrei de Leonilson – e boas lembranças sempre podem ser uma alavanca para um reencontro com os desejos.

Bom fim de semana.

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A  foto que registra o trabalho é de Gui Mohallem.