Uma das mostras paralelas na próxima Bienal de Veneza, organizada pelo espaço Zuecca Project, vai mostrar uma instalação do artista chinês Ai Weiwei em que ele retrata, em cabines-dioramas, o inferno que passou durante sua detenção como preso político, durante 81 dias em 2011, pelo governo totalitário de seu país. A prisão mobilizou o meio de arte, os grupos de direitos humanos e a opinião pública em todo mundo.

Na mostra em Veneza, cabines estão instaladas na nave central da igreja renascentista de Santo Antonino,  e são na verdade containers de ferro. Foram transportadas de Pequim para a Itália em uma operação que o artista não esclarece exatamente como ocorreu, certamente seguindo um instinto de auto-preservação (e de preservação alheia).

Em cada um destes espaços, o espectador vai rever o período de Ai Weiwei na cadeia. Ele compartilha seus pesadelos com o público através de ambientes tomados por esculturas hiperrealistas, que representam a si mesmo e aos policiais que o vigiavam permanentemente durante ações básicas, como comer, tomar banho e dormir.

O jornal “The New York Times” publicou um slideshow com 7 imagens do trabalho. Veja aqui.

A Avant Garde certamente poderia concorrer ao título de família tipográfica mais atacada pelo mau design mundão afora. Criada no fim dos anos 1960, popular a partir da década seguinte, ela foi letrinha fácil em capas de disco e de livro até os 80. Mas até hoje recebe chibatadas no tronco das identidades visuais equivocadas.  Ao clicar aqui, você pode ler, em inglês, um interessante artigo do designer Steven Heller sobre o assunto.

De hoje a 6 de outubro, o Whitney Museum, em Nova York, apresenta Hopper drawing, mostra de desenhos que revelam os estudos, projetos e o processo criativo do pintor Edward Hopper (1882–1967). Taí uma exposição que eu gostaria de ver.

O projeto novo dos recheados, feito pela agência Saravah

Na imagem acima, as “novidades” nas embalagens dos biscoitos waffle Piraquê, que lançam a última pá de cal no antigo projeto de identidade visual da marca, assinado pela artista fluminense Lygia Pape.

Abaixo, a linha de recheados, que não existia na época de Lygia. Com a ampliação da linha de sabores deste tipo de biscoito, a Piraquê parece evocar o espírito de sua antiga concorrente, a São Luiz.

O descarte do projeto de Lygia, abordado por este blog no artigo “O crime da Piraquê” (leia aqui), chegou ao biscoito de Leite (popularmente conhecido como “o da vaquinha”). A embalagem foi adulterada e as “vaquinhas” permanecem apenas em metade do pacote, o que interrompe completamente o ritmo das diagonais proposto por Lygia. Lamentável.

O que se faz aqui não é a defesa nostálgica e nem incondicional da integralidade do projeto anterior, mas que o espírito de seu pensamento plástico – norteador do nascimento de uma identidade da Piraquê – tivesse sido respeitado. A nova identidade destrói um edifício para erguer outro. Poderia tornar o antigo, sólido e consistente o bastante, apenas mais contemporâneo. Mas não: preferiu começar do zero, desconectando a marca de sua história e descartando um patrimônio artístico, cultural e afetivo de várias gerações, assinado por uma artista que não é qualquer artista.

Em tempo: o novo projeto da Piraquê foi feito por um escritório de “design e branding” chamado Saravah.

Um P.S. A letra cursiva, quase um Brush Script, que aparece nas embalagens de waffer demonstra o raciocício clichê e desprovido de conteúdo desta nova identidade. O mesmo podemos dizer do “spash” simulando chocolate e doce de leite, nas mesmas embalagens. Para substituir alguém como Lygia seria preciso muito mais fôlego.

A foto de Augusto Malta registra a exposição internacional de 1908, que comemorou no bairro da Urca, no Rio de Janeiro, o centenário da abertura dos portos “às nações amigas”, com a chegada de dom João VI ao Brasil.

1808 e a abertura dos portos marcam um momento em que nossa nação ainda incipiente muda de status: de colônia acorrentada a Portugal, passa a Reino Unido, ganhando o direito, ainda que parcial, de se abrir para o mundo. O Rio, capital desta coroa nas Américas, incorporaria o espírito de “porto aberto” em seu DNA como cidade. Outra exposição internacional – a de 1922, que comemorou o centenário da Independência – não só a ajuda a comprovar esta teoria como faz parte do conjunto de eventos que assinala um modernismo à carioca.

Este Rio esquecido – cidade que não é mais – tem sua memória guardada no Museu da República, onde o artista paulista Ivan Grilo faz exposição individual Quase acervo em julho.  Grilo vai se relacionar com a coleção fotográfica de Malta e outras peças da instituição, explorando a memória e os esquecimentos, bem como os discursos que tecemos sobre ambos, motores de sua trajetória como artista.

A mostra, com curadoria de Isabel Sanson Portella, é o resultado do Prêmio Marc Ferrez/Funarte, do qual o artista foi um dos vencedores. Vai gerar um livro de artista, do qual eu tenho a honra de participar com um texto crítico.

O convite de Grilo me alegrou duplamente: em primeiro lugar por estar caminhando ao lado de um artista que acompanho e admiro; em segundo, pelo bônus adicional de revisitar um tema que me encanta e me inquieta deste sempre, e que explorei em 2010 e 2011 em um projeto curatorial batizado de Mapas invisíveis.

Sensacional a conversa de Michelangelo com o Papa, na imaginação do sempre ótimo Porta dos Fundos.  O mote, é claro, é a pintura do teto da Capela Sistina.Vale assistir o vídeo inteirinho – depois dos créditos tem mais, fique até o fim.

https://www.youtube.com/watch?v=P4vh9-YAK8E

“Fabíola” na montagem da National Portrait Gallery, em Londres

A Pinacoteca do Estado de São Paulo inaugura amanhã, para convidados, e sexta-feira, para o grande público, a exposição Fabiola, de Francis Alÿs, que já esteve em cartaz na National Portrait Gallery, em Londres;  além de Espanha, Suíça e Peru.

A “Fabíola” original, de Henner

A mostra é uma instalação com mais de 400 retratos de Santa Fabíola. Pouco conhecida mesmo pelos católicos mais fervorosos, a santa se transformou em uma obsessão para o artista belga, que nos últimos 15 anos garimpou feiras de antiguidades e mercados de pulgas na Europa e nas Américas atrás de reproduções do retrato criado por Jean-Jacques Henner (1829-1905). “Santa Fabíola”, a pintura  original, é de 1885, mas está desaparecida desde 1912. Mesmo assim, continua sendo copiada à exaustão por artistas amadores de todo o mundo.

Uma discussão sobre colecionismo, sobre a História e as histórias e sobre o poder das imagens, Fabiola vem sendo montada em museus que tenham acervos ligados às memórias nacionais e estaduais. Alÿs tira partido das ambiguidades entre aparência e essência, já que numa primeira vista os retratos são todos iguais, e aos poucos vão se revelando em suas diferenças: alguns levaram camadas de materiais pouco comuns, como grãos de feijão.

Fabiola é atravessada ainda por questões sociais e de gênero. Canonizada em 547 por conta de seu trabalho de caridade junto aos doentes e pobres, a romana Fabiola teve um primeiro casamento infeliz e por isso teve a ousadia de se divorciar e tentar ser feliz em um segundo matrimônio.  Sua biografia faz com que seja reconhecida pelos fiéis como a protetora das mulheres com casamentos infelizes ou que sofrem maus tratos, das vítimas de adultério e das viúvas.

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Francis Alÿs apresentou um dos trabalhos mais inquietantes da 29a Bienal de São Paulo, com curadoria de Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias. Escrevi sobre ele aqui. Fiz também um vídeo tosco que você vê aqui.

A dica foi da amiga Gabriela Dias e o post original é do Explore.

A gente já tinha contado um pouco da história do organograma incrível do metrô londrino, obra-prima do design, neste post aqui.

Mind the gap!

Cartola como imperador na Comissão de Frente da Mangueira em 1978

Em 1978, a Estação Primeira de Mangueira levou para a Avenida o enredo “Dos carroceiros do Imperador ao Palácio do Samba”, desfile com o qual seria vice-campeã naquele ano. Cartola ainda estava vivo e desfilou à frente da escola com uma coroa verde-e-rosa. Foi fotografado por Aníbal Philot e eternizado em um de seus retratos mais difundidos como o imperador do samba carioca – o que de fato ele era.  Do mesmo desfile, uma conversa no meio desta madrugada trouxe à baila a alegoria em que era possível ler a  frase:

“A Mangueira é o povo, é o povo, é o povo”.

Desde o ano passado, quando levou para o Sambódromo um enredo sobre o Cacique de Ramos, a Mangueira parece cumprir a profecia desta afirmação. Com  muitos problemas internos, que fizeram com que precisasse de verba complementar para finalizar o desfile deste ano, a escola tem surpreendido pelo poder de superação de seus componentes e,  mais do que isso, pela capacidade de inovação em um segmento do desfile que é crucial, mas vinha sendo tratado nos últimos anos apenas como um acessório, não só pelos comentaristas, mas pelas próprias escolas.

Na era dos desfiles televisionados, a imagem é rainha. Temos privilegiado o espetáculo visual e a interatividade, tudo o que é surpresa nesta parte do desfile. O senso-comum discute nas redes sociais qual foi o desfile “mais bonito”, acoplando a ideia de “beleza” àquilo que é visual. Não se discute o “melhor desfile”  e sim o “mais belo”, o “mais rico”, o “que inova (no campo visual)”. A Mangueira, que nunca se impôs pelo luxo e pela riqueza, prova, desde o ano passado, que um desfile vai muito além disso. Com ousadia, flertando com imensos riscos, vem fazendo manobras com sua bateria que, antes de serem uma firula, uma “paradinha” – uma cereja do bolo, enfim – lançam holofotes para o coração de uma escola: o samba, mantido aquecido pelos instrumentistas que fazem sua cozinha.

Ontem, a Mangueira esquentou um enredo dificílimo sobre Cuiabá com uma estratégia genial de seu carnavalesco, Cid Carvalho, que uniu a ideia da Estação Primeira – presente no nome da escola – com o tema patrocinado sobre o Centro Oeste do Brasil. Carvalho propôs uma viagem de trem com a Mangueira até Mato Grosso, fazendo da escola espelho para seu tema, emprestando alma verde-e-rosa a um corpo que antes seria estrangeiro.  Cuiabá virou Mangueira e o resultado foi um grau de identificação tão alto com os componentes que ele foi capaz de contagiar a Sapucaí desde o Setor 1.

As baterias da Mangueira na noite de ontem: a Surdo Um, de verde, e seu duplo, de rosa

Mas isso não foi tudo: a escola ainda fez, como todos sabem, uma troca de baterias em plena Avenida.  Não sou especialista em música, mas sei que marca da bateria verde-e-rosa é o surdo de primeira, o que faz com que ela seja chamada de Surdo Um. Ora, o surdo de primeira, marcação dos batimentos cardíacos de uma escola, geralmente recebe uma “resposta” do surdo de segunda, criando um intervalo onde todos os outros instrumentos se encaixam. Na Mangueira, este intervalo sempre foi livre, aberto, já que o surdo de primeira caminha sozinho, sem resposta, dificultando a vida dos mestres de bateria e conferindo um grau de ousadia permanente aos arranjos dos intrumentos. Ao propor uma “troca” de baterias na Surdo Um, o instrumentista Ivo Meireles, presidente da Mangueira, perseguiu esta resposta do surdo de segunda. Em termos sonoros e visuais, o que se viu na Sapucaí foi o surdo de primeira encontrando seu interlocutor.

A troca de baterias completou, ainda, aquilo que já havia sido feito por Cid Carvalho no enredo: nos carros, nas fantasias, na letra do samba, Mangueira virou Cuiabá, a escola deu seu corpo para outro. Do mesmo modo, a Surdo Um se olhou no espelho para virar outra, se calou para que a “bateria rosa”, que evoluiu na Avenida depois da “bateria verde”- a original da escola – fizesse seu som. Este grupo rosa foi formado com instrumentistas de outras escolas de samba do carnaval carioca. Era uma heterogênea bateria de elite, selecionada em um concurso dificílimo, composta pelas influências rítmicas de outras agremiações que fazem a história do samba no Rio de Janeiro.

O que é incrível na ousadia da Mangueira não é apenas a performance. Não se trata de substituir a acrobacia visual, vista em escolas mais ricas, pela sonora. O que fica de mais bonito é este amálgama em que a escola se transmuta na espinha dorsal dos desfiles, iluminando o samba, tão esquecido em um lugar chamado Sambódromo.

Em 2012, com o enredo sobre o Cacique de Ramos, a escola já havia feito isso com sua “paradona”. Antes de ser uma exibição de seu virtuosismo técnico, o silêncio da bateria tinha, mais uma vez, uma função de base, de enredo. Ao se calar, a Surdo Um fez com que toda a escola se transformasse no pagode de fundo de quintal do Cacique de Ramos. Um carro com cantores marcantes na história do Cacique, como Beth Carvalho, Dudu Nobre e Fundo de Quintal, trazia uma roda de pagode e passava pelo meio dos instrumentistas. Isso acontecia em um momento crucial da letra do samba, em um longo “Siiiiiiiimmm”, lembrança do verso “Sim, é o Cacique de Ramos” na canção “Tamarineira”, de Luiz Carlos da Vila. A bateria se modificava a serviço do enredo, para transformar “Cacique e Mangueira num só coração”, como propunha o samba cantado pelos componentes.

O que é lindo, nesta proposta da Mangueira, é que os holofotes que ela volta para o samba não lançam luzes apenas sobre a própria escola, mas sobre tudo o que ela canta e irradia. Ficou mais claro o que era o Cacique depois do desfile de 2012. Ficou mais claro o que é a estrutura de uma bateria – com seus surdos de marcação – depois dos desfiles deste ano. “Ah, mas o povo não entende isso”, podem dizer alguns. Não “entende”, mas intui, o que também é uma forma de compreensão. Do contrário não teria comprado os desfiles da Mangueira, sobretudo o deste ano, de forma quase instantânea.

A verde-e-rosa vai enfrentar sérios problemas com o estouro do tempo. Provavelmente já perdeu o campeonato e talvez nem volte no Desfile das Campeãs, pelas regras que temos hoje. Quando ainda se vivia o drama dos poucos minutos que restavam,  Cid Carvalho foi abordado por um repórter e afirmou: “Vamos correr atrás dos décimos que perdermos depois, nos quesitos, mas não vamos correr no desfile”. O cantor Seu Jorge, também entrevistado na dispersão, disse: “A orientação foi a gente se divertir e tentar contagiar o público com esta alegria”.  A escola escolheu seu desfile, belo e “imperfeito”, fora dos padrões, em vez de escolher as regras. Cartola é o imperador do samba, mas o samba deve ser o imperador do carnaval. Aconteça o que acontecer, a Mangueira já é campeã na memória de quem viu este desfile. É o que fica de 2013, assim como o que ficou de 2012, entre poucas outras coisas, foi a “paradona” do Cacique.

Quando o estouro do cronômetro da Mangueira já era realidade, uma repórter abordou Ivo Meireles com uma pergunta capisciosa: “A bateria foi a responsável por este atraso?”. A pergunta, na verdade uma afirmação bastante inábil, recebeu uma resposta ríspida: “Você está me dizendo que estas arquibancadas cantando não significam nada? Gol é gol!”. No samba é assim: quando o surdo de primeira toca, o surdo de segunda responde.

Já eu, se pudesse escrever apenas uma frase depois do que vi a Mangueira fazer horas atrás, ela seria a do desfile de 1978:

“A Mangueira é o povo, é o povo, é o povo”.

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As fotos deste post são do saudoso Aníbal Philot (Cartola, 1978) e da amiga Ana Pacheco (baterias da Mangueira, ontem).